Histoire de la sculpture
La sculpture grecque, de l'archaïsme à l'époque hellénistique
La sculpture grecque a inventé une idée qui ne nous a jamais quittés : le corps humain comme mesure de la beauté. En quatre siècles à peine, les sculpteurs de la Grèce antique sont passés de figures raides et symétriques à des corps qui marchent, respirent, souffrent et dansent. Presque toute la sculpture occidentale descend de cette révolution.
La sculpture grecque archaïque, le sourire figé
Aux VIIᵉ et VIᵉ siècles avant notre ère, les Grecs sculptent deux grandes figures : le kouros, jeune homme nu debout, et la korè, jeune femme vêtue. La pose vient d'Égypte : bras le long du corps, jambe gauche avancée, regard droit devant.
Mais un détail les rend uniques : le sourire archaïque, ce léger relèvement des lèvres qui donne vie au visage. Le Kouros d'Anavyssos, sculpté vers 530 avant notre ère, montre déjà une musculature plus souple, comme si le corps cherchait à se libérer du bloc.
L'époque classique, le corps qui respire
Au début du Vᵉ siècle avant notre ère, le sourire disparaît et les visages deviennent graves. L'Aurige de Delphes, un conducteur de char en bronze fondu vers 470, se tient droit dans sa longue tunique, calme et concentré.
Puis vient la grande invention : le contrapposto. Le poids du corps repose sur une seule jambe, le bassin et les épaules s'inclinent en sens contraire, et la statue semble prête à bouger. Polyclète en tire un canon, un système de proportions idéales, qu'il applique à son Doryphore, le porteur de lance.
À Athènes, Phidias dirige le décor du Parthénon, entre 447 et 432 avant notre ère. Sa frise en bas-relief déroule une procession de cavaliers, de jeunes filles et de dieux sur près de 160 mètres. Le mouvement des chevaux et des drapés y atteint une perfection rarement égalée.
Le IVᵉ siècle, la grâce et la sensualité
Au IVᵉ siècle, les sculpteurs adoucissent les formes. Praxitèle ose le premier grand nu féminin avec l'Aphrodite de Cnide : la déesse, surprise au bain, devient si célèbre que l'on vient de loin pour la voir.
Lysippe, sculpteur attitré d'Alexandre le Grand, allonge les silhouettes et affine les têtes. Ses figures semblent plus légères, plus vivantes, et annoncent l'époque suivante.
L'époque hellénistique, le drame et le mouvement
Après la mort d'Alexandre, en 323 avant notre ère, la sculpture grecque se tourne vers l'émotion. Les corps se tordent, les drapés claquent dans le vent, les visages expriment la douleur ou l'extase.
La Vénus de Milo, sculptée vers la fin du IIᵉ siècle avant notre ère et conservée au Louvre, garde un calme souverain malgré ses bras perdus. Le Laocoon, au Vatican, montre au contraire un prêtre et ses fils étouffés par des serpents, dans un cri de pierre.
Marbre, bronze et couleur
Les sculpteurs grecs travaillent surtout deux matières. Le marbre, venu de l'île de Paros ou du mont Pentélique près d'Athènes, se taille en ronde-bosse comme en bas-relief. Le bronze, fondu à la cire perdue, permet des poses plus audacieuses, bras tendus et jambes en mouvement.
La plupart des bronzes ont pourtant disparu, fondus pour récupérer le métal. Nous les connaissons surtout grâce aux copies en marbre que les Romains en ont faites.
Et ces marbres n'étaient pas blancs : ils étaient peints de couleurs vives, avec des yeux, des cheveux et des vêtements colorés. Des traces de pigments, étudiées aujourd'hui en laboratoire, le prouvent.
L'héritage de la sculpture grecque
Rome a copié la sculpture grecque. La Renaissance l'a redécouverte : quand le Laocoon sort de terre à Rome en 1506, Michel-Ange est parmi les premiers à venir l'admirer. Depuis, chaque retour à l'idéal antique, du néoclassicisme à nos jours, regarde vers la Grèce.
Pour suivre cette histoire jusqu'au XIXᵉ siècle, découvrez les grandes périodes de la sculpture.